Issu du savoir-faire des éditions Pyramyd, ce jeu est destiné aux graphistes professionnels, aux étudiants et aux enseignants passionnés et curieux de leur discipline.

200 questions de niveaux de difficulté variés et réparties selon 5 catégories sont proposées aux joueurs. Qui réussira le plus rapidement à obtenir les 100 points synonymes de victoire ?

Culture visuelle, typographie et mise en page, couleurs, fabrication et vie professionnelle sont au programme de ce jeu amusant et culturel, qui égaiera apéros entre collègues ou périodes de révision.

Dans une carrière particulièrement féconde - une trentaine de films comme metteur en scène, plus d'une centaine comme acteur -, Vittorio De Sica a signé quelques oeuvres qui comptent parmi les classiques de l'histoire du cinéma. Homme de spectacle, il est l'une des personnalités les plus représentatives de l'évolution du cinéma italien des années 1930 aux années 1970, ayant traversé les contradictions, les enthousiasmes, les abandons et les sursauts de créativité qui ont caractérisé une époque tourmentée. Venu du théâtre, De Sica aborde le cinéma comme comédien au début des années 1930 avant de passer à la réalisation en 1939. Au lendemain de la guerre, dans le contexte du néoréalisme, il livre quatre productions qui l'imposent comme une figure majeure du cinéma transalpin : Sciuscià, Le Voleur de bicyclette, Miracle à Milan, Umberto D. Par la suite, il enchaîne les chefs-d'oeuvre (Station Terminus, L'Or de Naples, La ciociara, Le Jugement dernier, Le Jardin des Finzi-Contini, Une brève vacance) tout en menant une grande carrière d'acteur (Madame de... de Max Ophüls, Le Général Della Rovere de Roberto Rossellini, sans compter les comédies signées Alessandro Blasetti, Luigi Comencini, Dino Risi, Mario Monicelli). Ce livre, richement illustré, raconte la vie et la carrière d'un géant du septième art, tout en lui restituant au plus vif son visage, sa silhouette, sa sympathie naturelle, son charme et son humanisme. Lire la suite Fermer

Il existe un monde où l'on ne devient artiste qu'à condition de tuer. Un monde où le sang se met à couler et les poignards à pleuvoir sitôt qu'un individu est frappé de pulsion artistique. Un monde indifférent à la sublimation, où créer fait des morts, sans que l'on puisse dire lequel entre le meurtre et l'oeuvre d'art est le moyen matériel, la finalité déguisée, la conséquence tragique. Ce monde, le cinéma le révèle - et s'y plonge jusqu'au cou. Les artistes assassins ont mille visages. C'est le bandit blanc d'Orange mécanique qui ravage une ballerine à coups de statue. C'est l'Edward aux mains d'argent de Burton, qui sculpte et blesse au moindre geste. C'est Jack le psychopathe chez Lars von Trier qui compense sa frustration d'architecte raté en bâtissant des murs de cadavres. C'est le docteur des Yeux sans visage de Franju qui dépiaute d'innocentes étudiantes au prétexte de réparer sa fille. Fritz Lang, Michael Curtiz, Hitchcock, Clouzot, Kubrick, Mankiewicz, Elio Petri font pousser les beaux-arts à l'ombre du mal. Lire la suite Fermer

Sorti en janvier 1997, Lost Highway constitue le chef-d'oeuvre noir de David Lynch. L'ouvrage fête les 25 ans du film dans une version refondue, en partie inédite d'un livre paru en 2004.
Lost Highway a tout d'un film purgatoire. Purgatoire pour les personnages égarés qui n'arrêtent pas de passer les frontières de mondes incompatibles. Purgatoire pour les corps en souffrance, vulnérables. Purgatoire pour la raison, confrontée à une histoire illogique, régie par les fantasmes et les pulsions noires. Purgatoire pour le spectateur embarqué dans une traversée audiovisuelle violemment intense. Purgatoire, enfin, pour le cinéaste qui atteint là une forme de pureté artistique. Bréviaire vertigineux de la perception, le film plonge dans l'intimité de l'image pour amener la sensibilité à s'ouvrir.

Le cinéma a très tôt pratiqué le montage simultané de plusieurs prises de vues, consistant à instaurer une division à l'intérieur du cadre suivant une ou plusieurs lignes de démarcation. Cet ouvrage montre les possibilités esthétiques, figuratives et narratives aménagées par cette ouverture de l'image à la pluralité, de Dziga Vertov à Brian De Palma, du cinéma muet à la comédie musicale.

Au cours des trente dernières années, Hayao Miyazaki aura progressivement donné à l'animation japonaise un retentissement mondial, autant par ses propres oeuvres (Porco Rosso, Mon voisin Totoro, Princesse Mononoké, Le Voyage de Chihiro...) qu'à la tête du studio Ghibli, qu'il aura contribué à fonder, fort aujourd'hui d'une réputation incontournable.
C'est au gré du vent, qui parcourt son oeuvre depuis son premier film (Nausicäa de la Vallée du vent) jusqu'au dernier en date (Le vent se lève), que ce livre vagabonde parmi les thèmes du cinéaste, attentif surtout à ce qui fait la force de ses personnages. Toujours soucieux de commenter le réel par le biais du merveilleux le plus débridé, Miyazaki n'aura cessé en quelque sorte de l'augmenter, programme qui devrait être celui de toute oeuvre d'art.
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En 1972, le passionné de cultures populaires Francis Lacassin publiait une Contre-histoire du cinéma pour réhabiliter des films, des cinéastes, des acteurs et actrices en partie oubliés. À cette édition, l'auteur imaginait des suites. À partir des sommaires qu'il a laissés, voici le tome 2 de sa contre-histoire du cinéma.
Et, comme toujours, son approche originale nous conduit dans les coulisses de la création, de la production, et nous dévoile des personnages fantomatiques, trop vite sortis des projecteurs et de l'histoire officielle. On croisera ainsi le cinéma comique des années 1910 avec Roméo Bosetti, Onésime, les studios d'Épinay-sur-Seine ou de Nice, Louis Feuillade, et des femmes (Alice Guy, J. Bruno Ruby, Germaine Dulac, Marie-Louise Iribe...) majeures du septième art.

De 1962 à 1973, Midi-Minuit Fantastique s'impose comme une publication ludique et exigeante, foisonnante et avant-gardiste. En un mot : culte. Le ton est libertaire, les racines populaires, l'inspiration surréaliste. L'iconographie de sexe et de sang, éminemment évocatrice. Ce quatrième et ultime volume regroupe les huit derniers numéros, depuis le 18/19, en 1967, jusqu'au légendaire 25/26, jamais paru. Outre des entretiens fleuves (Michael Powell, Seijun Suzuki, Koji Wakamatsu, Roman Polanski, Terence Fisher), des études littéraires majeures (Gaston Leroux, Tarzan, la collection « Angoisse »), des focus sur la SF, le fantastique japonais, la Hammer, des photos et des textes inédits, et le DVD Les Frissons de Midi-Minuit - sélection de sept courts métrages introuvables et de documentaires.

Manifeste, journal, méditation enragée, Mercure insolent mêle les deux passions de F.J. Ossang : l'écriture et le cinéma. A quoi bon les cinéastes ? demande l'écrivain cinéaste. Les films semblent aujourd'hui refuser toute dissemblance, toute singularité.
L'industrie aura beau faire, il y aura toujours une voix pour nous renvoyer à ce paradoxe d'une nécessité libre, et ouvrir une brèche pour que s'y engouffre notre regard, loin de l'utile, de l'agréable, où il pourra se laisser happer par un paysage solaire ou un visage qui rayonne d'une lumière inexplicable. Pour Nicole Brenez, « si la poésie consume le langage au feu d'une nécessité vitale, chaque phrase de F.J. Ossang embrase une torche qu'attise chaque intervalle. déborde d'une énergie inouïe. »

Ecrivain (une quinzaine d'ouvrages, dont Mercure Insolent chez Rouge Profond) et musicien (rocker guérillero), F.J. Ossang occupe une place singulière dans le cinéma contemporain. Derrière la caméra ou sur scène, il oeuvre à la subversion artistique qui a pour fonction d'« interpréter le monde le plus complètement possible ». Avec M.K.B. Fraction Provisoire, il a inventé un genre musical baptisé noise & roll, entre énergie punk et bruitisme industriel qu'on retrouve sur la bande sonore de ses films. Logiquement le poète guerrier s'attaque au cinéma, à la pellicule argentique et au noir&blanc dont il est un fervent adepte. Il a réalisé, entre autres, Le Trésor des Îles Chiennes, Docteur Chance, Dharma Guns et 9 Doigts qui a reçu le Léopard d'Argent au Festival de Locarno en 2017.
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Mai 1962. Les kiosques à journaux affichent la photo saisissante d'un loup-garou aux prises avec une voluptueuse jeune femme. En lettres noires et rouge sang brille pour la première fois un nom appelé à la postérité : Midi-Minuit Fantastique. Tout au long des années 1960, ces trois mots magiques résonnent comme la plus intense des promesses... Après deux volumes regroupant les numéros 1 à 11, salués par toute la presse comme une réalisation éditoriale majeure, voici venir le volume 3 de cette intégrale fantastique, préfacé par Edith Scob, réunissant les numéros 12 à 17. Il comporte aussi un DVD proposant plusieurs courts métrages, surtout l'indédit Dracula de Jean Boulet et Druillet.
Manière de fêter comme il se doit la renaissance d'une revue devenue littéralement mythique.
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Le Cinéma enragé japonais propose de s'éloigner des grandes avenues cinématographiques japonaises pour s'intéresser aux productions alternatives et transgressives. Films extrêmes, brûlots révolutionnaires érotiques, oeuvres désenchantées (cyber)punk ou productions violentes aux forts relents sociaux. Dans un style clair et épuré, Julien Sévéon passe en revue quelques grands noms du cinéma indépendant et souvent déviant. Avec Koji Wakamatsu, Sogo Ishii, Katsuya Matsumura, Shinya Tsukamoto, Hisayasu Sato et ceux qui les entourent, c'est toute l'histoire de la jeunesse nippone des années 1960 à nos jours qui défile. Passionnante initiation pour les néophytes en la matière, et riche source d'informations inédites pour les plus avertis, l'ouvrage parle de cinéma, avec intensité et conviction, mais aussi de la société japonaise. Il est enrichi de nombreuses illustrations et d'entretiens récents et plus anciens avec des cinéastes chevronnés ou émergents.
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Dès ses premiers pas sur scène, Bob Dylan ne peut échapper au cinéma, se transformant en personnage de film pour Andy Warhol, D.A. Pennebaker et Sam Peckinpah. Il s'improvise metteur en scène avec l'ambitieux Renaldo and Clara, oeuvre imprévisible. Sa passion de cinéphile pour le septième art s'exprime aussi dans sa prose, avec des clins d'oeil à Hitchcock, Gregory Peck et Titanic de James Cameron. Son imaginaire croise les routes de Sam Shepard, Cate Blanchett, Martin Scorsese, le Joker et Stephen Frears. Alors que Jean-Luc Godard lui rend hommage au fil de sa filmographie, T odd Haynes démontre l'impossibilité de dresser son portrait biographique avec I'm Not There. Bob Dylan, au cinéma comme ailleurs, est toujours là où on s'y attend le moins, déroulant une étincelante série de rêves.
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Ce livre raccorde un chemin d'écriture sur le cinéma à une enfance et à un amour perdus, tous deux placés sous le signe des loups, de la mélancolie, des métamorphoses, des corps doubles. Les loups-garous ont accompagné l'auteur, sous une forme ou une autre, toute sa vie, surtout à travers de nombreux films (de George Waggner à John Landis ou Michael Mann, de Terence Fisher à Eugène Green, de Jacques Tourneur à Alain Resnais, Philippe Grandrieux, Apichatpong Weerasethakul, Éric Rohmer, Ridley Scott, et bien d'autres). Après L'Homme invisible de James Whale.
Soties pour une terreur figurative (2015) et L'Étrange Créature du lac noir de Jack Arnold. Aubades pour une zoologie des images (2017), le dernier livre d'une trilogie fantastique inspirée par la Universal.
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Paru en 1978 chez Henri Veyrier, Le Masochisme au cinéma a été interdit à sa sortie : affichage (aucune librairie n'a pu le mettre en rayon), publicité, vente aux mineurs. Ce qui déclencha une campagne de presse en sa faveur : Libération, Le Nouvel Observateur, Le Canard Enchaîné, Le Matin de Paris, etc. Il faudra attendre le 21 mars 1982 pour que Jack Lang, nouveau ministre de la Culture, lève les interdictions.
L'essai, réédité en 1990, deviendra culte au fil des ans. Comme l'écrivait à l'époque Freddy Buache, alors directeur de la Cinémathèque suisse : "Jean Streff jette sur les films un éclairage insolite et nous les fait voir autrement, au gré d'une inattendue hiérarchisation qui grossit le contenu au détriment des valeurs esthétiques admises. Dérangeante façon de relancer la réflexion sur le cinéma, sur nous-mêmes, et de rendre la vie à des créations figées depuis longtemps dans l'académisme critique." L'idée du livre est de mettre en lumière à travers des films, séquences de films ou personnages de films, les principales manifestations de la tendance masochiste.
Cela va de Luis Bunuel à Federico Fellini, de Joseph Losey à Tod Browning, de John Huston à Marco Ferreri, en passant par Laurel et Hardy, le cinéma fantastique, les péplums ou encore le masochisme affiché de certaines stars hollywoodiennes : Marlon Brando, Burt Lancaster, Clint Eastwood... Il ne s'agissait donc aucunement de pornographie, mais le masochisme, que l'on nomme aujourd'hui BDSM, était en lui-même considéré comme pornographique.
Ce qui, dès le titre, entraîna les foudres de la censure. Jean Streff aurait pu, depuis 1978, faire entrer bien d'autres films sous cet "éclairage insolite", à l'instar de ceux qu'il évoque dans la "mise au point" inédite qu'il livre ici, mais son but n'a jamais été de dresser une liste exhaustive de films abordant d'une manière ou d'une autre le sujet. Voilà donc le texte tel qu'il est paru à l'époque, enrichi d'une préface aiguisée de François Angelier.
Ainsi que l'écrivait le bulletin du Centre National du Cinéma : "C'est un ouvrage de philosophie du comportement. Il n'est pas nécessaire de s'intéresser à ce sujet en particulier pour le lire. Il ouvre trop d'horizons pour rester un texte spécialisé." Voyons ce qu'il en est de nos jours.
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Cinéaste singulier, Mario Soldati signe au début des années 1940 deux chefs-d'oeuvre, Le Mariage de minuit et Malombra. Après la guerre, Les Ennuis de monsieur Travet, Eugénie Grandet ou Fuite en France confirment son talent. Contribuant aux genres populaires, des films burlesques (Je suis de la revue) aux films de cape et d'épée (Fra Diavolo, L'Héritier de Zorro), de corsaires (La Fille du corsaire noir), et mélodrame (La Fille du fleuve avec Sophia Loren), il dirige Gina Lollobrigida dans La Marchande d'amour ou Alida Valli dans Rapt à Venise. Outre l'évocation de la carrière de l'écrivain et celle de critique cinématographique pour L'Europeo, le livre s'enrichit d'un long entretien enregistré entre 1976 et 1979, l'occasion d'entrer dans l'intimité d'un créateur curieux et inventif.
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Dans cette correspondance adressée à l'actrice américaine Sarah Michelle Gellar et enrichie d'un cahier iconographique, Stéphan Sanchez retrace le parcours d'une icône majeure de la fin des années 1990.
Éternelle Buffy Summers, tueuse de vampires à l'humour cinglant, pour des millions de fans dans le monde, la comédienne a également brillé au cinéma, de Souviens-toi l'été dernier à Sexe intentions. Forte d'une aura persistante, Sarah Michelle fait son grand retour en 2023 avec plusieurs films et un projet de série fantastique, Wolf Pack. Victime de harcèlement scolaire et découvrant son homosexualité, l'auteur raconte aussi dans ces lettres comment sa passion pour la star l'a aidé à se construire.

Possession (1981) d'Andrzej Zulawski est un film tentaculaire et sans cesse régénéré, traversé par une actrice (Isabelle Adjani) en transe. L'ouvrage que lui consacre Jérôme d'Estais approche le mystère d'une oeuvre abstraite et physique devenue culte, en commençant par investir les lieux où elle vit le jour, à Berlin, en pénétrant dans son cosmos, gorgé de sens et de signes. Mais tout comme aucune vision ne l'a jamais asséché, aucune interprétation n'enlèvera jamais au film ni sa force, ni son mystère. Conscient qu'il a été pour son réalisateur son double autant qu'une exorcisation mise en images, cet essai est une tentative de dompter ce monstre magnifique devenu le nôtre, avec des images d'une intensité telle qu'elles continuent à bousculer notre théâtre intérieur.
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Les huit contributeurs de ce volume rendent compte de la richesse et de la profondeur du cinéma du maestro de l'épouvante. Bianca Concolino insiste sur les liens qu'entretient Argento avec certains écrits ; Alice Laguarda s'attarde sur les spécificités du giallo au sein de sa production ; Cécile Carayol se penche sur l'intense matière musicale de ses films ; Frédéric Astruc met en exergue les rapports qu'Argento entretient avec Freud ;
Nathan Réra relève les nombreuses connexions artistiques établies par le maestro dans ses oeuvres ; Denis Mellier dresse le bilan de la dernière période de création d'Argento ;
Jean-Michel Durafour enquête sur la présence des insectes dans ses films ; quant à Guy Astic, il s'attache à la dimension fantomale de son cinéma. Le tout est richement illustré.
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Ce beau-livre très illustré célèbre le rapport entre cinéphilie, mémoire et objets, tout en questionnant la tradition onirique au cinéma. Attiré par les mondes parallèles, les formes insolites et les trips hallucinés, Potemkine a développé depuis la parution de son premier DVD, Requiem pour un massacre en 2007, une approche visionnaire du médium en faisant cohabiter dans son catalogue des réalisateurs aussi marquants qu'Andreï Tarkovski, Nicolas Roeg, Lars Von Trier ou Werner Herzog. Enquête sociologique, essai théorique, objet poétique, ce volume rassemble autant les propos d'acteurs de l'édition indépendante en France que la pensée de cinéastes qui ont marqué l'histoire (Harmony Korine, David Lynch, Lucile Hadzihalilovic, Yann Gonzalez, Hicham Lasri, Bertrand Mandico, Gaspar Noé, etc.).

Nous sommes au Festival de Cannes en 1988. Un fi lm bouleverse la Croisette. Son titre, De bruit et de fureur . Son auteur, Jean-Claude Brisseau. Aujourd'hui encore, le nom de Brisseau demeure en partie associé à cette réussite. Mais il y a le reste qui constitue une fi lmographie parmi les plus singulières du cinéma français depuis trente ans : Noce blanche (grand rôle de Vanessa Paradis), Céline , Les Anges exterminateurs , Choses secrètes , La Fille de nulle part , Les Savates du bon Dieu .
Une singularité qui tient en trois points essentiels : la transmission du savoir et des émotions, le goût de la culture populaire mixé à l'expérimentation des récits, l'universalité des questionnements sur l'existence en milieu hostile.
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Entre 1956 et 1962, Alfred Hitchcock a réalisé vingt films pour la télévision dans le cadre des séries qu'il produisait, Alfred Hitchcock Presents, Suspicion et The Alfred Hitchcock Hour. Ceux-ci constituent un fragment essentiel de sa filmographie, rendu possible par le contexte de la crise des studios hollywoodiens et l'éclosion de la télévision commerciale aux États-Unis. Ils ont contribué à l'image de marque « Hitchcock » (ses apparitions, sa silhouette) et étendu la popularité planétaire du cinéaste. Phénomène industriel et médiatique, l'ensemble de ces téléfilms méritent une analyse en profondeur, surtout pour faire apparaître une théorie hitchcockienne de la télévision, entre épure, contrôle social et voyeurisme.

Lui de sang, de feu, de plaisir, de désirs, de terreur et de douleur. Mais un homme aussi plein de naïveté et d'intensité autres qu'animales, un homme immergé dans le sensible du corps et de l'âme. De La Vie de Jésus à Hors Satan, en passant par L'humanité, Flandres, Twentynine Palms et Hadewijch, Bruno Dumont ne cesse de revenir à cette inquiétude fondatrice, à cette tension vécue comme mystère : l'homme tiraillé entre l'animalité et la grâce.
L'animalité, bruyante, sauvage, impose le corps comme surface primitive d'où sourdent les pulsions. La grâce, bruissante, ouvre au spirituel par les sensations, rend la vie à sa plénitude. Bruno Dumont cherche à dire comment nous sommes parvenus à être, comment nous sommes pris dans le tissu du réel. Ses images, sensorielles, à l'écoute des rumeurs du monde et de l'être, nous ramènent à notre condition précaire et fragile, pourtant si précieuse, dans laquelle nous espérons nous tenir debout, éblouis au rebord même du noir le plus profond.
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Paul Verhoeven est l'un des cinéastes européens majeurs à s'être distingué à Hollywood, après une carrière de plus de vingt ans aux Pays-Bas. Son nom est immédiatement associé à RoboCop, Total Recall, Basic Instinct et Starship Troopers. Ses films, depuis Turkish Delight, Spetters et Le Quatrième Homme, déchaînent les passions, bousculent les interdits, malmènent les bien-pensants. Fasciné par la peinture, la musique et la religion autant que par les sciences, la politique ou l'Histoire, Paul Verhoeven est un cinéaste toujours sur la brèche, au coeur des tensions. Se confiant à Nathan Réra au fil d'entretiens illustrés par des documents personnels inédits, il revient sur les derniers événements marquants de sa carrière, aborde des épisodes déterminants de son enfance, dans la Hollande occupée par les nazis. Il apporte des éclairages nouveaux sur ses films, notamment sur Black Book, revient sur la polémique autour de Starship Troopers, explicite son rapport au sexe, à la violence, au sacré - il a publié une biographie de Jésus. Ces pages livrent le témoignage exceptionnel d'un artiste dont l'un des plus grands plaisirs est " de dévier de la norme, de la dépasser ".
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